ROMAN POLANSKI
Polanski es uno de los directores más aclamados tanto por la crítica de cine de arte como por el cine comercial. Su primer largometraje filmado en  Polonia Cuchillo en el agua (1962), fue nominado al Oscar como mejor película extranjera. Desde entonces ha recibido más de cinco nominaciones a este premio y finalmente en  2002 por El pianista recibió el Oscar de mejor Director, La Palma de Oro en Cannes y siete premios César incluyendo mejor película y mejor director. También a lo largo de su controvertida carrera ha recibido dos premios Bafta, cuatro Cèsars, un Globo de Oro y una Palma de Oro.

PEDRO ALMODOVAR
Inspirado en personajes femeninos fuertes y apasionados, sus films se caracterizan por su diseño de producción muy vívido, la fotografía fluida y una edición agresiva. La lealtad que inspira tanto a sus actores como su equipo de producción es un testamento de su liderazgo. A pesar del éxito comercia logrado, cada una de sus cintas ha sido inspirada desde su independiente corazón alejado de los intereses de taquilla. Almodóvar, sin temor alguno, sigue a sus personajes hasta donde sea que estos lo lleven, su única preocupación es crear un mundo idóneo para contar dichas historias.

MIRA NAIR
Directora y productora india. Cursó sus estudios en la universidad de Delhi y en Harvard. Su debut cinematográfico fue en 1998 con ¡Salaam Bombay! cinta con la que ganó el premio Cámara de Oro del festival de cine de Cannes y la nominación al Oscar a la mejor película extranjera. Mira Nair ha Ganado gran número de premios internacionales, entre ellos el Premio Nacional de Cine y fue nominada al Oscar, los Globos de Oro, BAFTA, y el  premio  Filmfare , así como el premio Persona del año en el año 2007 y el India Abroad Person en el año 2006.

JEAN-LUC GODARD
Su nombre es sinónimo de cinco décadas de realización cinematográfica. Su primer film Sin aliento (1960), estrenado en los albores de la llamada Novelle Vogue abre una nueva brecha en la narrativa cinematográfica. Jean-Luc Godard se anticipó a las tendencias de presentación y asimilación de diversos niveles semióticos del siglo XXI. Sin duda uno de los más importantes directores vivos y cuya visión continúa influyendo a una nueva generación.

JOHN CAMERON MITCHELL
Detrás de Hedwing el exitoso cantante transexual de glam rock, cuyo escandaloso musical para teatro lo hiciera saltar en 2001 a la pantalla grande, se oculta una mente maestra: John Cameron Mitchell. El director nacido en El Paso Texas, quien es abiertamente gay, produjo en 2004 Tarnation, el estupendo documental autobiográfico sobre la vida de un homosexual llamado Jonathan Caouette. Shortbus, su siguiente film, causó también controversia en su estreno en el Festival de Cannes al mostrar sexo explicito en una comedia absolutamente transgresora que se planta un paso adelante en la discusión de la libertad sexual.

KIM KI-DUK
Originario de Corea del Sur, Kim Ki-duk es uno de los autores más interesantes del panoráma asiático, quien a lo largo de la última década ha realizado un sólido estilo creativo. Cocorilo, su primer largometraje, parece surgir de un desesperado intento por expresarse antes que comunicarse. Es una obra autodidacta y producto de una autobiografía imaginaria. Un sujeto apodado Cocodrilo, se alimenta de los residuos que caen al río. Su existencia obedece a los instintos propios de un reptil: alimentación, copulación y defensa. Es también el filme que define y delimita el universo de posteriores ficciones que Kim desplegará con más detalle.

WES ANDERSON
Como lo hiciera Woody Allen antes que él, Wes Anderson ha construído un paisaje cinematográfico inmediatamente identificable, cierta simetría fotográfica, meticuloso diseño de producción, vestuario, selección musical, interpretación e inteligente sentido del humor. Sin embargo, de bajo de esa sólida superficie, el director nos enfrenta a otro paisaje intrínseco: el de las relaciones humanas. Por más de una década, la obra de Wes Anderson ha girado en torno a familias rotas, amores perdidos y las debilidades de sus personajes, representados por una tragicómica fraternidad integrada por Jason Schwartzman, Bill Murray, Anjelica Huston y los hermanos Luke y Owen Wilson.

SPIKE JONZE
La reputación de Spike Jonze como uno de los más originales, imaginativos, inteligentes y audaces cineastas hoy en día, se estableció desde el principio con sus legendarios videos de skateboarders, la dirección de extravagantes vídeos musicales y de sólidos comerciales. Han cimentado esta notoriedad con tres largometrajes: ¿Quieres ser John Malkovich? (1999), El ladrón de orquideas (2002) y Donde habitan los monstruos (2009). Director, productor, fotógrafo, escritor, actor, coreógrafo, amante de las patinetas, los libros infantiles, la música y algunas veces doble de acción, Jonze pareciera ser el artista del futuro.

CLINT EASTWOOD
Clint Eastwood ha diseccionado los Estados Unidos a través de sus películas por más de 40 años. El reconocido actor, desde su debut en la dirección con Play Misty for Me (1971) a mostrado gran destreza tras la cámara, probando que la edad no es obstáculo. Las cintas de Eastwood se parecen mucho al cine comercial hollywoodense, pero es sólo una trampa que conduce a la gente a las salas cinematográficas esperando ver algo predecible para en cambio encontrarse con una feroz y visceral forma de hacer cine al estilo de Samuel Fuller y los grandes clásicos del cine norteamericano.

MICHAEL HANEKE
Haneke -si queremos ahorrarnos esa multitud de palabras que siempre se vierten en las presentaciones formales- es a la desgracia lo que Walt Disney a la felicidad y el optimismo. El cine de Haneke nos muestra mediante su contenido y su forma la fragmentación de la sociedad. Una sociedad posmoderna, donde reina la complejidad y la dispersión, el individuo ha desertado de la vida social en busca de su propia realización. Pero en vez de esto, ha conseguido alienación, soledad, incomunicación, tedio, vacío.

LUCRECIA MARTEL
La directora argentina Lucrecia Martell se estableció de forma inmediata en la escena internacional con su debut cinematográfico La Cienaga que ha recibido diversos premios en festivales de todo el mundo y fue considerado por la crítica especializada de Nueva York como el Mejor Film Latino Americano de la década. Su Segunda película La niña santa fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2004, así mismo su tercer y más reciente obra La mujer sin cabeza en 2008 se presentaría en ese mismo festival.

GASPAR NOÉ
El cine de Gaspar Noé se ha reconocido por su gráfica e intensa muestra de violencia y perversión. Una característica que le ha otorgado públicos absolutamente polarizados. Sus películas parecieran experimentos en donde se pone a prueba a la audiencia enfrentándola con el lado más oscuro de la condición humana. Noé hizo su debut con la cinta Solo contra todos (1996), secuela de su cortometraje Carne (1991). A este sórdido y perturbador primer largometraje le seguiría en 2002 la sorprendente Irreversile, que llamaría la atención principalmente por su brutal, controvertida y sobre publicitada escena de violación de ocho minutos de Mónica Bellucci.

ANG LEE
Es reconocido en oriente y occidente por cintas como El Tigre y El Dragón (2000) y Brokeback Mountain (2005). El director de cine Ang Lee nació en 1954 en Taipei, se graduó de Escuela Nacional de Artes de Taiwan en 1975, viajó a los Estados Unidos para estudiar dirección de teatro en la Universidad de Illinois y más tarde producción de cine en la Universidad de Nueva York. Tras ganar algunos reconocimientos con trabajos escolares, Ang Lee pasó seis años trabajando en guiones que lo llevarían a realizar su primer film Manos milagrosas (1992).

JASON REITMAN
Jason Reitman nació en 1977 en Montreal, siendo el primero de tres hijos del director Ivan Reitman (Cazafantasmas). Graduado en el Harvard-Westlake School en 1995, se especializó en Escritura Creativa en la Universidad del Sur de California. Reitman comenzó como asistente de producción y  aprendió mucho pasando horas en la sala de edición con su padre. Es actualmente conocido por sus cintas Gracias por fumar (2006), Juno (2007) y Amor sin escalas (2009). Con modestas producciones y a pesar de su corta carrera, ha recibido 4 nominaciones al Oscar, dos de ellas como Mejor director y ha alcanzado un envidiable éxito comercial.

WONG KAR-WAI
El cine de Wong Kar-wai fluye a través de vasos comunicantes que trazan rutas sinuosas y alejadas de la linealidad característica del modelo cinematográfico que predomina en nuestros tiempos. Su obra nos obliga a cultivar un arte de estar alerta no sólo a la materialidad de la pantalla, sino al mundo de sensaciones y de sentimientos que esa forma sutil de hacer cine despierta en nuestro interior. Con una sólida filmografía donde destacan Chunking Express (1994) y Deseando amar (2000) Wong Kar-wai ha devuelto al panorama cinematográfico una revisión postmoderna y oriental de aquel estilo de cine que ya había practicado en los sesenta la nouvelle vague francesa.

LARS VON TRIER
Después de crearse una reputación con filmes como El elemento del crimen (1984) y Europa (1998) usó el Festival de Cannes como plataforma para anunciar el manifiesto Dogma95, una lista de diez reglas diseñadas para cambiar la forma de trabajo. Por su puesto, Lars Von Trier abandonó la filosofía Dogma después de su primer proyecto, pero no podríamos esperar que el más emocionante y provocador cineasta del mundo siguiera un conjunto de reglas por mucho tiempo, aunque fueran sus propias reglas. El cine de Von Trier trata de eso: establecer nuevas reglas de juego y al romperlas ver qué hace el espectador para sobrevivir a ello.

QUENTIN TARANTINO
Director, guionista, actor, productor y más allá de todo eso: un icono del cine independiente americano de la década de los 90. A los 22 años encontró su segundo hogar en Video Archives donde trabjando como empleado se acercó a todo tipo de cine, desde el más refinado film noir, hasta el violento cine oriental de yakuzas, pasando por las más terribles B-movies. Tarantino hace su primer film en 1991, Perros de Reserva, filmada en los Ángeles en menos de un mes con la ayuda del productor Lawrence Bender y el actor Harvey Keitel. La cinta fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo.

JOEL & ETHAN COEN
Joel y Ethan Coen han estado haciendo películas durante más de 25 años. Desde su debut Simplemente sangre en 1984, hasta las galardonadas Barton Fink, Fargo y Sin lugar para los débiles, pasando por las taquilleras Educando a Arizona y ¿Dónde estás hermano?, el clásicos de culto El gran Lebowski o su más reciente proyecto Un hombre serio. A pesar de sus diversas películas y la desigual respuesta de la audiencia, los hermanos Coen han logrado permanecer independientes todo el tiempo. Tienen ganado el respeto de Hollywood y se han convertido en los cineastas con los que todos quieren trabajar y sus filmes siempre son esperados con entusiasmo.

WOODY ALLEN
Con cuatro décadas de trabajo intensivo, Woody Allen, prolífico director, autor, comediante, narcisista, existencialista, clarinetista, conocido internacionalmente por su colosal agudeza y su estilo de comedia nihilista, tiene un sello tan claro que es imposible confundir su estilo, sean sus películas de comedia, psicodrama o películas cuyo objeto de ostentación es el escote de Scarlett Johansson. Lo ames o lo odies, no se puede negar que  Woody es un pilar del cine y que pareciera que siempre está en su mejor momento.

STEVEN SPIELBERG
Como ningún otro director de ésta selección Spielberg entiende y personifica las películas más taquilleras. Spielberg trabaja bajo la tradición de Laurence de Arabia, Mago de Oz y Ben-Hur. La categoría de este director es irreprochable. No es sólo cine de ligera distracción, sino de entretenimiento a grandes escalas.  Pero ¿cómo aprendió a mantener esa emoción que logra hoy en día en el público cuando no contaba con los grandes presupuestos? Su film debut El Duelo puede responder esa pregunta.

CHRISTOPHER NOLAN
Para muchos Nolan es un superhéroe, iniciando su carrera cinematográfica con The Following un interesante film en blanco y negro rodado sin presupuesto con una pequeña cámara de 16 mm. y cuyo éxito le permitiera realizar la original y aclamada Amnesia (2000) con la que establecería su reputación que lo llevaría más tarde al asombroso rescate de una franquicia que ya había muerto. Con el éxito con Batman comienza, y su secuela de El caballero obscuro Christopher Nolan se consolida como uno de los más capaces directores. Sin embargo, es su maestría en el argumento la que provoca que la audiencia este constantemente atenta, aun cuando este sea poco convencional.

CARLOS REYGADAS
Carlos, nacido en la ciudad de México en 1971 descubrió su pasión por el cine después de ver el cine de Tarkovsky. En 1999 comenzó a escribir Japón, su primer largometraje. Esta cinta fue presentada en el Festival de Cine de Rotterdam  y recibió la Cámara de Oro en el Festival de Cannes del 2002 así como el premio Coral del Festival de Cine de la Habana. La segunda cinta, Batallas en el cielo, lo dio a conocer por las escenas de sexo explícito. En 2007, Luz Silenciosa, fue la cinta con la que Reygadas ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y lo ha convertido en uno de los más prominentes guionistas y directores del cine de México.

MARTIN SCORSESE
Martin Scorsese merece contarse entre los más avanzados directores del cine moderno, cinéfilo insaciable, su mundo lo conforman su origen familiar-neoyorkino-italoamericano, así como también las imágenes de miles de películas pero sin resultar nunca mimético, imitativo, ni redundante. Las películas de Scorsese despliegan profundas preguntas acerca de la violencia, la alienación, la soledad, la fe, y la búsqueda de uno mismo. Reconocido por muchos como el más importantes de los directores americanos de los últimos cuarenta años.

TERRENCE MALICK
Poco se sabe de la vida de Malick, salvo por su actividad cinematográfica. Así lo ha querido él, pues es el único cineasta estadounidense en activo que nunca concede entrevistas. Director, productor y escritor de cine estadounidense, ganador de un Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín, del Premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Cannes, y de un David di Donatello, entre otras importantes distinciones. La obra de este director se centra en la descripción de la belleza de la naturaleza en clara oposición a la ambición y la crueldad del hombre.

DAVID LYNCH
David Lynch cree en su público, su cine está hecho para gente que adopta el papel de detective, presta atención, reúne imágenes y saca sus propias conclusiones. Lynch es un director que por lo general cuenta historias dramáticas y de suspenso con un contenido extremadamente extraño que ha tocado todo tipo de estética o subgénero a la hora de contar sus historias. Sus películas nos esconden algo inquietante. Todo lo bello y tranquilo son máscaras de la realidad y David Lynch las irá desprendiendo una a una. De este modo podremos descubrir los vicios, fobias, misterios y crueldades que contiene la sociedad.

DAVID CRONENBERG
Uno de los principales exponentes de lo que se ha denominado horror corporal, el cual explora los miedos humanos ante la transformación física y la infección. Inaugura y abandera el concepto de la "Nueva carne", eliminando las fronteras entre lo mecánico y lo orgánico. En la primera mitad de su carrera exploró estos temas principalmente a través del terror y la ciencia ficción, aunque su trabajo hace tiempo se ha extendido más allá de estos géneros asociándose con el thriller psicológico. Aunque dirigió su primera película en 1969, Cronenberg da la siempre la impresión en cada película de que es un novel genio revelandonos un inexplorado universo.